• I. Prelude 1:40
• II. Aria 3:11
• III. Gavotte 1:16
• IV. Minuet 3:28
• V. Gigue 2:03

La toute première rencontre (bien avant les répétitions orchestrales) avec l'urtext de la Suite pour orchestre symphonique, Op. 26 de Mieczysław Weinberg ne laissait aucun doute : l'une des premières partitions du compositeur n'était pas un essai, mais l'œuvre d'un artiste accompli. La virtuosité du style de ce compositeur de dix-neuf ans et le type d'inspiration qui ne peut être espionné ni emprunté à ses grands prédécesseurs et contemporains sont véritablement admirables. L'orchestre : flûte, hautbois, 2 clarinettes en si b, basson ; 2 cors français en fa ; timbales ; 10 1er violon, 2e violon, altos, violoncelles et contrebasses. La Suite comporte cinq mouvements. Le Prélude, qui ouvre le cycle, ressemble à une ouverture-fanfare précédant l'action dramatique. La Partie 2, Aria, est l’une des révélations lyriques les plus sincères du compositeur, réalisant l’idée du chant instrumental. La Partie 3, Gavotte, s’apparente à une vision irréelle, qui combine étrangement galanterie et grotesque, drame et élégie. La texture timbrale de la Gavotte est singulièrement exposée. Cela est rendu possible non seulement par la personnalisation sculpturale accentuée de toutes les parties de vents, mais aussi par la multi-dimensionnalité de la texture des cordes avec l’importance énorme de la conjugaison « antiphonale » des couleurs d’archet et de pizzicato. La Partie 4, Menuet, constitue le sommet architectural du cycle. Le drame figuratif aigu de la composition à grande échelle se reflète dans la poétisation de l’accentuation timbrale exagérée, réalisant des impulsions « choquantes et douloureuses », ainsi que dans la pression indomptable du flux de mouvement. Le sous-texte tragique de la composition est évident, car il dépasse même toute interprétation utilitaire et quotidienne du genre dansant. Le final est la brillante et en même temps terrifiante Gigue, dans laquelle se combinent le sentiment euphorique et la piqûre, qualités propres à la jeunesse, avec le drame suprême d’un symphoniste mature.

Nikolai Peiko : Vocal Сycle "Light of the Cornflower Wreath" 10:32
Stanislav Mostovoy, tenor
Academy of Russian Music
Ivan Nikiforchin, conductor

• I. Thank You Motherland 1:12
• II. Who’ll Call Me 1:29
• III. The Crest 2:58
• IV. At Sunset 1:29
• V. From a Look, a Murmur, a Smile 1:03
• VI. Last Love 2:21

Nikolai Peiko : Elegiac Poem in Memory of Nikolai Myaskovsky for String Orchestra 8:18
Academy of Russian Music
Ivan Nikiforchin, conductor

Boris Tchaikovsky : Sinfonietta for Strings 19:18
Ivan Nikiforchin, Academy of Russian Music

• I. Sonatina 5:48
• II. Waltz 2:52
• III. Variations 6:10
• IV. Rondo 4:28

Le 12 juin 2021, sous l’égide de l’Atelier Créatif International « Terra Musica » dans la Petite Salle du Conservatoire de Moscou, on a pu assister à un concert spécial. Tout a commencé par la présentation du livre écrit par Y. Abdokov « Nikolay Peyko ». Ayant accompli son mystère... ». Il a été publié par la maison d’édition « Conservatoire russe » et par les éditeurs du Patriarcat de Moscou. Le programme musical de la soirée était composé des œuvres orchestrales de N. I. Peyko, N. Y. Miaskovski, D.D. Chostakovitch, B.A. Tchaïkovski et G.G. Galynine. De plus, le point culminant du programme fut la création mondiale de la Suite pour orchestre symphonique op. 26 de Moisey Samuilovich Weinberg (1919–1996). Le manuscrit de l’auteur de l’œuvre a été gracieusement fourni par la veuve du compositeur, Olga Yulievna Rakhalskaya. Dans les rares sources où la Suite est mentionnée, il n’existe aucune analyse systématique permettant de comprendre l’étymologie de la pensée orchestrale du compositeur. Par contre, dans les premiers opus, les caractéristiques du futur proche détermineront la physionomie du style orchestral de Weinberg : le relief graphique des mélos orchestraux, la priorité de la peinture pure dans la formation de la palette de timbre, l’importance de la modulation timbro-optique (débordements linéaires et transformations du focus timbrique) dans le déploiement orchestral, la virtuosité du développement agogique de la texture instrumentale, lorsque les traits caractéristiques et les principes de la production sonore sont comparés à divers types de peinture picturale, etc. L’article reflète l’expérience de la renaissance de la partition, étudiant sa poétique timbrale, incarnant les caractéristiques les plus frappantes du style orchestral de Weinberg. L’analyse a été réalisée dans le large contexte des questions de phénoménologie du compositeur et du chef d’orchestre.