Rosy Wertheim (Amsterdam, 1888 – Laren, 1949)

Biographie

Le parcours de vie de Rosy Wertheim (Amsterdam, 1888 – Laren, 1949) est inclus dans le livre Vervolgde componisten in Nederland édité par Carine Alders et Eleonore Pameijer (discuté ici par Emanuel Overbeeke).

Dans le livre, nous lisons que Rosy Wertheim a été l’une des premières compositrices néerlandaises à suivre une formation musicale professionnelle et à acquérir une renommée internationale. Ses compositions trouvent un public dans son pays et à l’étranger, jusqu’à ce que la Seconde Guerre mondiale l’oblige à se cacher. Elle laisse derrière elle une œuvre d’environ quatre-vingt-dix œuvres, principalement des chansons et de la musique de chambre. Sa musique a été publiée par des éditeurs de musique renommés tels que Alsbach et Broekmans & Van Poppel.

Rosalie Marie Wertheim est née le 19 février 1888 de parents juifs. Son père, Johannes Gustaaf Wertheim, était banquier et sa mère était une chanteuse, pianiste et peintre douée. Rosy et son frère Bram ont tous deux reçu une éducation musicale approfondie.

Rosy Wertheim

Le talent de composition de Rosy a été découvert par Bernard Zweers, lui-même compositeur, qui lui a enseigné l’harmonie et le contrepoint. Plus tard, lorsqu’elle s’intéresse de plus en plus à la musique française, elle prend également des cours de composition avec Sem Dresden. En 1921, elle est nommée professeur au Lycée de musique d’Amsterdam, où elle enseigne le piano et le solfège jusqu’en 1929. Entre-temps, elle a dirigé le chœur de femmes juives de l’Association socialiste religieuse d’Amsterdam, a donné des leçons de piano (gratuites) aux enfants pauvres et a soutenu les plus pauvres des pauvres avec ses propres revenus. Elle a également dirigé une chorale d’enfants dans le quartier juif pauvre. Il s’agissait d’activités qui découlaient exclusivement de son grand engagement social.

En 1929, Wertheim s’installe à Paris, fortement attiré par les nouvelles sonorités et les rythmes plus variés. La musique de Claude Debussy, Maurice Ravel et plus tard d’Igor Stravinsky s’est avérée être pour elle une véritable révélation, ce qui a presque naturellement eu son effet sur sa composition. Son séjour à Paris est annoncé par un congé d’études de six mois, mais il deviendra finalement six ans. Au cours de ces années, une sonate pour violon, un quatuor à cordes, un divertimento pour orchestre de chambre et un certain nombre de chansons ont été créés. Pour le quotidien Het Volk, elle a enregistré la vie musicale de Paris. Son appartement parisien est devenu un lieu de rencontre pour d’éminents compositeurs français, dont Darius Milhaud, Arthur Honegger, Olivier Messiaen, André Jolivet et Jacques Ibert.

Elle prend des cours de composition avec Louis Aubert et se lie d’amitié avec la compositrice Elsa Barraine. Elles s’influencent certainement artistiquement et partagent l’implication de l’autre dans la musique contemporaine, mais elles s’intéressent aussi aux thèmes de société et à la place des femmes dans le monde de la musique.

En tant que compositrices, leur parenté résidait davantage dans le domaine de l’esthétique et de leur rôle de pionnières en tant que femmes dans la musique que dans les similitudes stylistiques. Les compositions de Wertheim étaient souvent lyriques et accessibles, et bien qu’elles soient encore fortement enracinées dans la tradition néerlandaise sous l’influence de l’impressionnisme français. La musique de Barraine témoigne d’une expression beaucoup plus puissante, souvent même très puissante, plus influencée par son professeur Paul Dukas. Barraine est l’un des plus jeunes lauréats du célèbre Prix de Rome.

Elsa Barraine en 1940

Pendant la Seconde Guerre mondiale, leur engagement social s’exprime aussi fortement. Wertheim a organisé clandestinement des concerts dans notre pays, en mettant l’accent sur la musique juive interdite, tandis que Barraine était active dans la résistance française et continuait à travailler sans relâche pour la reconnaissance des compositrices.

En 1935, Wertheim s’installe à Vienne pour étudier avec Karl Weigl, avec qui Gustav Mahler, Richard Strauss et Arnold Schönberg, entre autres, ont étudié. Contrairement à Paris, cependant, elle est beaucoup moins séduite par les compositeurs autrichiens et allemands contemporains.

Quelques années plus tard, elle fait la traversée à New York, où elle s’installe également temporairement et participe activement au Composers' Forum Laboratory (CFL) qui, avec plus ou moins de succès, tente de mettre en lumière le travail de jeunes compositeurs en leur offrant une scène et en suscitant ainsi l’intérêt du public. La CFL faisait partie de la Works Progress Administration (WPA), plus précisément sous l’égide du Federal Music Project. Le forum a joué un rôle important dans la stimulation de la musique américaine à une époque où les styles européens étaient dominants. Plusieurs œuvres de Wertheim ont été jouées. À New York, elle a également été correspondante pour plusieurs journaux et magazines néerlandais, ce qui est loin d’être ordinaire pour une femme à l’époque.

Son séjour à New York a également été de courte durée, car elle est revenue dans notre pays dès 1937. Là, à Amsterdam, sa maison, comme à Paris, s’est transformée en un véritable salon d’artistes, où ont eu lieu un grand nombre de concerts. Peu de temps avant l’invasion allemande, le Residentie Orkest joua pour la première fois son concerto pour piano à La Haye, mais à partir de mai 1940, la situation se détériora progressivement, puis considérablement. En 1942, les organisations d’artistes ont dû signer une déclaration de fidélité sur ordre du Kultuurkamer. Parmi eux se trouve la Société des compositeurs néerlandais. De nombreux membres refusèrent catégoriquement, y compris Wertheim, après quoi la Société se suspendit.

Pendant l’occupation allemande, Wertheim organisait encore des concerts dans les salons, principalement consacrés à la musique (interdite) de compositeurs juifs. En septembre 1942, elle choisit de se cacher, mettant de nombreuses familles à se cacher dans la zone de danger en s’échappant à plusieurs reprises. Elle ne supportait pas d’être enfermée, mais heureusement, cela n’a pas eu de conséquences fatales, ni pour elle ni pour les familles concernées. Elle a ainsi réussi à échapper à la déportation (forcée) et a survécu à la guerre.

Après la guerre, Rosy Wertheim enseigne à l’école de musique de Laren, mais le cancer l’empêche de plus en plus d’enseigner et de composer. Même pendant sa maladie, elle est restée hospitalière comme toujours et son intérêt pour ses collègues compositeurs n’a pas diminué. Elle meurt le 27 mai 1949, laissant derrière elle une œuvre pour laquelle il n’y avait que peu ou pas d’intérêt dans notre pays. Ce qui n’a pas beaucoup changé à ce jour.

Son œuvre montre des influences de Claude Debussy susmentionné, mais aussi de César Franck, par exemple, comme en témoigne Dix Variations sur un Thème de César Franck (Chant de la Creuse) de 1918, qui est également représenté sur cet album. Une grande partie de son travail (malheureusement non daté) n’a jamais été imprimée. Heureusement, les manuscrits ont trouvé leur place dans les archives de l’Institut néerlandais de musique (NMI), qui fait partie des archives municipales de La Haye. Le NMI fonctionne comme le dépositaire central du patrimoine musical néerlandais.

Rosy Wertheim n’était pas l’une des innovatrices de la composition, mais sa musique est extrêmement raffinée et conçue avec beaucoup de raffinement, souvent lyrique et toujours accessible. Dans ses premières œuvres, c’est le style romantique tardif qui prédomine, après quoi les gammes octotoniques, des gammes composées de huit tons, font leur apparition, les caractéristiques les plus importantes étant l’alternance de distances entières et demi-tonales, conçues à partir de symétrie et de tension. On le connaît aussi du jazz, principalement dans les improvisations sur des accords diminués et des accords de septième. Debussy, Stravinsky et Messiaen aimaient aussi l’utiliser. Ce qui manque, c’est un centre tonal immédiatement reconnaissable. C’est un point de départ fascinant pour la musique expressive et expérimentale (ou les deux, main dans la main).

Le livret du CD aborde également la question de savoir pourquoi les compositeurs interdits par les nazis sont encore largement oubliés. Selon Michael Haas, connu non seulement comme ancien producteur de Decca, mais aussi comme chercheur scientifique et cofondateur du « Exilarte Center » de Vienne rattaché à l’Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, cela est d’autant plus remarquable à la lumière de la publicité autour de la restitution de peintures (« art pillé ») et de la réévaluation d’écrivains tels que Bertolt Brecht et Thomas Mann. qui sont aujourd’hui solidement ancrés dans le canon culturel. La musique, en revanche, est passée par un processus de réintégration beaucoup plus complexe. Les raisons de cette situation ne sont pas faciles à expliquer. Ils nécessitent un aperçu des événements qui se sont déroulés entre les deux guerres mondiales et au-delà.

Après la défaite allemande de 1918, un mouvement d’austérité culturelle a vu le jour, en réaction à la prétendue « décadence » du romantisme allemand. Les mouvements modernistes, représentés par des compositeurs tels que Hindemith et Schönberg, ont dû libérer le public allemand des effets enivrants de la grandiloquence et de l’hyper-romantisme.

À la même époque, les compositeurs juifs étaient encore en plein processus d’assimilation culturelle. Bien que leur émancipation bourgeoise et politique ait été complète, peu d’entre eux ont osé s’impliquer dans les développements modernistes dans le domaine culturel, à l’exception de Schönberg. Ironiquement, l’interdiction nazie des compositeurs juifs a conduit à l’effacement de ceux-là mêmes qui représentaient une évolution musicale organique, plutôt qu’une rupture abrupte avec le passé.

Après la Seconde Guerre mondiale, l’idée dominante était que la musique occidentale avait besoin d’un nouveau départ – une tabula rasa – pour s’appuyer sur des développements antérieurs, y compris ceux de modernistes tels que Hindemith et Schönberg. Paradoxalement, les compositeurs interdits par le régime nazi sont restés réduits au silence dans l’après-guerre par ceux qui pensaient que la musique devait être définitivement détachée du passé.

La nouvelle musique des années d’après-guerre a aliéné le public à un point tel qu’il était difficile de justifier commercialement des noms inconnus. Les éditeurs, les diffuseurs, les salles de concert et même les maisons de disques évitaient tout ce que le public ne savait pas. Le canon s’est figé et les musiciens ont été condamnés à répéter sans cesse les mêmes œuvres.

Ce n’est qu’au cours des dernières décennies que ces institutions ont commencé à s’ouvrir aux compositeurs du siècle dernier – des compositeurs qui ont d’abord souffert de persécution, puis d’une négligence délibérée. Chaque nouvel enregistrement et chaque nouvelle représentation de l’une de ces voix perdues est un pas vers la justice artistique et la fin de la reconnaissance tant attendue du patrimoine musical oublié de l’Europe. Et cela inclut l’œuvre de Rosy Wertheim.

Naoko Christ-Kato pendant l’enregistrement

La pianiste japonaise Naoko Christ-Kato fait partie de ces musiciens qui ont fait plus d’un pas vers cette justice artistique. Elle a étudié le piano à l’Université de musique de Tokyo et a poursuivi ses études à Hanovre et à Lübeck, entre autres.

Ce qui la rend si spéciale dans le monde de la musique, c’est son engagement à redécouvrir des compositeurs juifs oubliés qui ont été exclus par le régime nazi. Avec la soprano Anna Gann, elle forme le Duo Gernsheim, avec lequel elle interprète et enregistre des œuvres rares, telles que des chansons de Friedrich Gernsheim. Elle se produit en tant que soliste, dans des ensembles de musique de chambre et lors de récitals de chansons, et son travail a été reconnu et apprécié en Allemagne et au Japon. Avec son répertoire et son jeu, elle forme un pont impressionnant et émouvant entre les cultures en plus de l’incarnation d’une mission musicale avec de la profondeur.

C’est ce qui ressort également de ce programme, entièrement consacré à la musique pour piano de Rosy Wertheim, qui donne un aperçu de l’importance de ce compositeur d’une manière particulière du début à la fin. Dans ce récital si coloré, la technique irréprochable de Christ-Kato n’est rien de plus qu’un tremplin vers la combinaison de la pureté de l’interprétation et de l’individualité raffinée et lyrique d’un caractère profond. Il s’agit d’une grande réalisation de deux femmes très spéciales, l’une à titre posthume, l’autre dans le présent. Une publication brillante, avec pas moins de sept premières mondiales !

Compositions

She became well-known with the art song Neutraal (1914) on a text by François Pauwels. Up to 1929 she composed mainly art songs and choral works. Her years in Paris were the most productive ones, in that period she wrote Strijkkwartet (1933). Her compositions show influences of van Franck, Debussy, Ravel en Stravinsky. Trois Morceaux (1939) is written in a more sober and harmonically modern language.