Musik für Saxophon & Klavier "Komponistinnen im Exil"
Label : primTon pT-1263, DDD, 2023
Klusa-Duo (Kathrin von Kieseritzky, Saxophon et Luisa Sereina Splett, Klavier)
Enregistrement : Peter Weinsheimer à l’automne 2022 dans le studio d’enregistrement Ölberg-Kirche, Berlin
TT 66 :23 min.
Release date : 23.1.2024

 

 

 

COMME DIOGÈNE DANS LE TONNEAU - Mort ou sortie ?

Expulsion, fuite, malheur et mort ou source d'inspiration et de force nouvelles - c'est entre ces deux pôles que se situent les attributions à la condition d'exilé. Dans l'Antiquité déjà, l'exil était utilisé comme méthode de punition. Quitter sa patrie, arriver dans l'inconnu et se repositionner - un destin qui a également frappé Ovide lorsqu'il a dû quitter Rome pour s'installer dans la ville de Tomis, au bord de la mer Noire. Pour les artistes en particulier, l'exil est source de difficultés à plusieurs égards : ce n'est pas seulement leur patrie de vie qui disparaît, mais aussi leur patrie de création, l'espace culturel dans lequel ils ont été formés et ont grandi, la langue parlée, la musique, les arts plastiques et l'esthétique qu'ils doivent laisser un peu derrière eux. Sans oublier le public qui les a compris et acceptés.

Mais l'abandon et l'arrivée sont aussi une grande chance : le désir, le mal du pays, la solitude et les conflits peuvent stimuler le processus de création, ils tissent la matière des œuvres artistiques. La culture d'abord étrangère peut stimuler, donner des idées nouvelles, élargir l'expérience et les connaissances et enrichir le travail. En même temps, dans le meilleur des cas, les approches artistiques personnelles et les courants apportés trouvent leur place dans la culture du pays d'accueil.

Ce CD met l'accent sur le destin de femmes compositrices. Jusqu'à présent, elles n'ont joué qu'un rôle secondaire dans les nombreux traités et livres consacrés aux artistes en exil. En effet, les compositrices, souvent victimes de préjugés dans le passé en raison de leur activité artistique, ont souvent été contraintes d'abandonner la composition en exil au profit de la famille et de son maintien économique.

Quel est l'impact de l'errance entre différents mondes musicaux sur la recherche de sa propre identité artistique et musicale ? Jusqu'à quel point les styles musicaux personnel et étranger fusionnent-ils et quand les limites du mélange sont-elles atteintes ?

Mais ce CD ne donne pas seulement à entendre des compositrices contraintes à l'exil extérieur. Il met également en lumière la composition à partir d'une sorte d'"exil intérieur", d'une solitude due à l'origine, à la vision politique ou religieuse du monde, d'un isolement au sein de structures de domination qui ne permettent pas la libre expression artistique, ou d'un sentiment d'étrangeté, de vivre "comme Diogène dans un tonneau", entouré de personnes qui parlent en fait la même langue (artistique ?) - lorsque la composition devient un élixir de vie, précisément comme si la poursuite de la vie, de l'existence, en dépendait.

Depuis 2020, Kathrin von Kieseritzky et Luisa Sereina Splett sont à la recherche de programmes de concert passionnants et inhabituels au sein du duo KLUSA. Ce faisant, elles veulent découvrir, dans la formation saxophone et piano, des choses nouvelles, peu entendues jusqu'à présent, et réinterpréter de manière fraîche et non conventionnelle des œuvres qui ont fait leurs preuves.

Kathrin von Kieseritzky vit à Berlin en tant que musicienne indépendante et joue dans différentes formations de musique de chambre. Des tournées de concerts l'ont menée entre autres au Mexique, au Panama, au Costa Rica et à Trinidad & Tobago. Elle est membre fondateur du quatuor de saxophones ADUMÁ, avec lequel elle a remporté plusieurs prix. L'un des points forts de son travail est l'interprétation de la musique contemporaine et l'improvisation libre, ce qui se traduit également par de nombreux projets musicaux (théâtraux) avec et pour les enfants, notamment en tant que directrice musicale du club pour enfants de la Deutsche Oper Berlin.

Le parcours de la pianiste de Winterthour Luisa Sereina Splett l'a menée de Zurich à Berlin en passant par Santiago du Chili et Saint-Pétersbourg. Elle parle six langues et combine des écoles de piano nationales pour créer son style très personnel. Elle est soliste, musicienne de chambre et professeur invité en Suisse, en Europe, en Russie, en Amérique du Nord et du Sud.
La découverte de ce qui n'a pas encore été joué, la combinaison de l'ancien et du nouveau sont au premier plan de sa création artistique. Luisa enseigne et travaille en tant que collaboratrice indépendante à la Junge Staatsoper de Berlin.

 

Vítězslava Kaprálová (1915-1940) Vítězslava Kaprálová est née à Brno (République tchèque). Inspirée par son père Vaclav Kapral, lui-même compositeur et professeur au Conservatoire de musique de Brno, elle commence à composer sa propre musique dès son plus jeune âge. De 1930 à 1935, elle étudie la composition avec Vilem Petrzelka et la direction d’orchestre avec Zdenek Chalabala au Conservatoire de Brno. Après avoir obtenu son diplôme, elle a poursuivi ses études à Prague à l’école de maître du Conservatoire de Prague avec Vítězslav Novak (composition) et Vaclav Talich (direction d’orchestre). En 1937, Kaprálová reçoit une bourse pour poursuivre ses études et se rend à Paris. Elle y étudie à l’Ecole Normale de Musique dans la classe de direction d’orchestre de Charles Munch. Elle est également devenue l’élève privée de Bohuslav Martinu. Après l’occupation de la Tchécoslovaquie en mars 1939, Kaprálová décide de rester en exil en France. En avril 1940, elle épouse l’écrivain Jiri Mucha. En raison de la prise imminente de Paris par l’armée allemande, Kaprálová est évacuée à Montpellier, où elle succombe à une grave maladie le 16 juin 1940 à l’âge de 25 ans.L’œuvre remarquable de Kaprálová comprend la Sinfonietta militaire (Vojenská symfonieta), qui a été influencée par les événements politiques de son temps, pour laquelle elle a reçu le prix Smetana. Kaprálová a été la première femme à diriger l’Orchestre philharmonique tchèque et a également dirigé l’Orchestre symphonique de la BBC. En tant que compositrice, elle convainc par une inventivité inépuisable. Elle est fascinée par l’univers sonore de Stravinsky, toujours à la recherche de rebondissements nouveaux et inattendus dans ses propres œuvres et, malgré son jeune âge, développe un style de composition indépendant.La ritournelle est issue du cycle Deux ritournelles pour violoncelle et piano. Les deux pièces ont été écrites à Paris en mai 1940 et sont les dernières compositions que Vítězslava Kaprálová a achevées avant sa mort. Mais une seule des deux pièces a survécu. Le pianiste Hermann Grab l’a emporté avec lui lors de son vol de France aux États-Unis. À l’origine, le cycle devait être créé le 29 mai 1940 à Paris par Karel Neumann au violoncelle et Hermann Grab au piano. Cependant, le concert a été annulé en raison de la situation politique qui ne cesse de se détériorer en France. Karel Neumann a joué l’œuvre pour la première fois à Londres en 1940.

Dora Pejačević (1885-1923) Dora Pejačević est née à Budapest. Elle est issue d’une famille noble de Slavonie et a grandi dans le domaine familial du château de Našice en Slavonie. Elle a reçu l’inspiration musicale dès son plus jeune âge, d’abord de sa mère, la baronne hongroise Lilla Vay de Vaya, qui était chanteuse et pianiste de formation, puis de l’organiste Károly Noszeda. Elle a appris à jouer du violon et du piano en autodidacte et a commencé à composer dès son enfance. Après que la famille a déménagé à Zagreb en 1902, Pejačević a été reconnu comme compositeur dans les cercles de Zagreb et peu au-delà. Une vie agitée a commencé, avec des séjours d’études et de travail entre Budapest, Vienne, Munich, Dresde, Prague et Našice.Dora Pejačević a été la première femme en Croatie dont les œuvres orchestrales ont été jouées en public. Dans un premier temps, le public et les critiques ont été surpris de découvrir qu’une femme se cachait derrière le D. dans le livret du programme. Sa musique est influencée par l’Art nouveau et peut être attribuée à la fin de la période romantique, enrichie par l’harmonie impressionniste. Elle brise sans cesse le langage musical traditionnel dominant dans ses œuvres, et des échos folkloriques slaves et slavons se retrouvent également dans ses mélodies. Dora Pejačević est considérée comme une pionnière de la fin de siècle en Croatie. Pendant longtemps, elle a consacré sa vie indépendante exclusivement à la musique et à la composition. Karl Kraus, avec qui elle était amie, l’a décrite dans son poème « Ski and Fiddle » comme « Dora, elle, les chansons, elle, les sons ». Ce n’est qu’en 1921 que Pejačević se marie, et le 5 mars 1923, elle meurt d’une septicémie dans une clinique pour femmes de Munich, quelques semaines après la naissance de son premier enfant.

Ruth Schönthal (1924-2006) Au début des années 1930, Ruth Schönthal est la plus jeune élève à recevoir des cours de piano et de théorie au Conservatoire Stern de Berlin. En raison de ses origines juives, elle doit quitter le conservatoire en 1935. La famille a d’abord déménagé à Stockholm, où Schönthal s’est vu offrir une place au Conservatoire de l’Académie royale de musique en raison de son talent extraordinaire. À l’âge de 14 ans, elle publie sa première sonatine composée. En 1941, la famille émigre à Mexico, où Schönthal étudie la composition avec Manuel M. Ponce et le piano avec Pablo Castellano. Grâce à sa rencontre avec Paul Hindemith, qui l’aide à obtenir une bourse, elle peut étudier à l’université Yale de New Haven à partir de 1946.Ruth Schönthal a toujours suivi sa propre voie dans la composition, ne se laissant pas coopter par les tendances, les systèmes ou les contraintes modernes. Elle, qui avait été contrainte de faire irruption dans sa vie dès son plus jeune âge en raison de ses origines, restait libre de composer. Les expériences qu’elle a dû faire en fuyant dans différentes régions du monde se sont répercutées sur sa façon de composer. Elle n’a pas renié ses racines classiques-romantiques, utilisant des procédés stylistiques de la tradition musicale européenne ainsi que ceux de la musique folklorique mexicaine, du modernisme américain, de la musique aléatoire et minimale. Dans ses œuvres, avec lesquelles elle a toujours cherché une forme de communication avec les auditeurs, elle a dépeint la complexité du monde émotionnel humain, ses mélodies et ses rythmes étaient destinés à refléter les gestes et les mouvements humains.

Sofia Asgatowna Gubaidulina (née en 1931) « Sois toi-même, n’aie pas peur d’être toi-même. Je vous souhaite de continuer sur votre mauvais chemin. » Dmitri Chostakovitch a donné ces mots à la jeune compositrice, né à Chistopol, au Tatarstan, et qui a étudié à Moscou, lors d’une rencontre en 1959, et ils sont devenus, comme Sofia Gubaidulina elle-même le décrit, la devise de sa vie et de son œuvre. Chostakovitch les encourageait à ne pas se laisser influencer dans leur manière de composer par la doctrine du réalisme socialiste adoptée par l’Union soviétique des compositeurs en 1948. Elle a dû faire face à un chemin semé d’embûches qui l’a conduite à des représailles, à des attaques publiques de la part de l’Union des compositeurs soviétiques, à une interdiction de ses œuvres en Union soviétique dans les années 1960 et 1970 et à des interdictions de voyager pour se rendre à des représentations de ses œuvres dans les pays occidentaux. Néanmoins, Gubaidulina est restée incorruptible dans la composition et sa carrière internationale a été imparable. Des musiciens de renom tels que Gidon Kremer ont joué leurs œuvres dans le monde entier.Gubaidulina, qui fête ses 90 ans cette année, est à la recherche d’un monde spirituel dans la musique qui se situe au-delà de l’expérience quotidienne. Dans ses pièces, elle explore les possibilités de jeu tonales et techniques d’instruments de musique issus de différentes cultures, tels que l’accordéon à boutons russe bayan, le koto japonais ou une grande variété d’instruments de percussion du monde entier. Bien que son éducation fasse partie de la culture russe, les influences asiatiques dans sa musique sont indéniables en raison de ses origines tatares.La composition « Song without Words » pour trompette et piano a été écrite en 1977. Il est basé sur deux sources. D’une part, les « Chants sans paroles » de Mendelssohn-Bartholdy, et d’autre part, le roman « Chant sans paroles » de Sofia Andreïevna Tolstaïa (1844-1919), qui était mariée à l’écrivain russe Léon Tolstoï, qui n’a pas encore été publié en Russie. Le roman a été écrit entre 1897 et 1900 après la mort du plus jeune fils à l’âge de sept ans. Il aborde l’idée qu’après de lourds coups du sort, c’est la musique qui apporte le salut et la confiance.